Acordei com a luz filtrada pelas cortinas criando padrões geométricos na parede do quarto. Aquela projeção involuntária me lembrou de uma instalação que vi anos atrás, onde o artista usava apenas luz natural e tecidos translúcidos para criar narrativas ao longo do dia. Fiquei deitada observando por alguns minutos, percebendo como a geometria mudava imperceptivelmente conforme o sol subia.

Passei a tarde no pequeno museu da cidade. Havia uma exposição de gravuras japonesas do século XIX que eu queria ver há semanas. Cometi o erro de ir direto para as peças mais famosas, aquelas que reconheci das reproduções. Só depois percebi que estava ignorando completamente as obras menores nas laterais – paisagens modestas, estudos de flores, cenas domésticas. Quando finalmente parei para observá-las, descobri uma delicadeza técnica que as peças principais não tinham. Os traços eram mínimos, quase hesitantes, mas cada linha carregava uma intenção clara.

Uma senhora ao meu lado comentou baixinho com a amiga: "São tão simples, mas têm algo especial, não é?" Sorri sem dizer nada. É exatamente isso – a simplicidade não como ausência, mas como escolha deliberada. Cada espaço em branco era tão importante quanto as áreas impressas.

Fiquei pensando na relação entre técnica e contenção. Como o artista decide onde parar? Onde termina o essencial e começa o decorativo? As gravuras me ensinaram que a coragem não está apenas em adicionar, mas em saber quando parar de adicionar.

No caminho de volta, a luz da tarde dourava os prédios velhos do centro. Tentei memorizar aquela tonalidade exata, sabendo que amanhã seria diferente. É isso que fica comigo hoje: a beleza do efêmero, do gesto mínimo, do espaço que respira entre as coisas. A arte me lembra constantemente que nem tudo precisa ser preenchido, explicado, decorado. Às vezes, o vazio é a parte mais eloquente da composição.

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