#Atelier

Heute Morgen fiel das Licht durch mein Atelierfenster auf eine ganz besondere Weise – schräg, beinah golden, als würde es die Luft selbst einrahmen. Ich stand da mit meinem Kaffee und beobachtete, wie sich die Schatten auf der weißen Wand verschoben. Manchmal vergesse ich, dass Licht auch eine Form ist.

Ich hatte mir vorgenommen, an meiner Bleistiftskizze weiterzuarbeiten, dieser stillen Studie eines alten Stuhls. Aber ich machte einen Fehler: Ich begann zu früh mit den Schattierungen, bevor die Proportionen wirklich stimmten. Zu ungeduldig, dachte ich. Also radierte ich alles wieder weg und fing von vorne an. Diesmal langsamer. Diesmal mit mehr Vertrauen in den Prozess.

Was mir dabei auffiel: Die Zwischenräume sind genauso wichtig wie die Linien selbst. Der negative Raum um die Stuhlbeine herum erzählt genauso viel wie die Form des Holzes. Das ist etwas, das ich in der Malerei schon lange weiß, aber beim Zeichnen muss ich es mir immer wieder neu erarbeiten.

Am Morgen fiel mir auf, wie das Licht durch die hohen Fenster des Ateliers strömte – nicht gleichmäßig, sondern in unregelmäßigen Bändern, die sich über den Holzboden legten. Ich stand eine Weile dort und beobachtete, wie sich die Schatten verschoben, fast unmerklich, aber stetig.

In der kleinen Galerie am Marktplatz lief heute eine Ausstellung lokaler Künstler. Ich hatte vor, nur kurz vorbeizuschauen, blieb aber fast zwei Stunden. Ein Gemälde in der hinteren Ecke zog mich an – ein abstraktes Werk in Blau- und Grautönen, mit dickeren Farbschichten an manchen Stellen. Wenn man näher trat, konnte man sehen, wie die Künstlerin die Farbe aufgetragen hatte: manchmal mit dem Pinsel, manchmal offensichtlich mit einem Spachtel oder vielleicht sogar den Fingern.

"Es sieht aus wie Wasser und Stein gleichzeitig," sagte eine ältere Frau neben mir zu ihrer Begleiterin. Sie hatte recht. Diese Dualität, diese Spannung zwischen Bewegung und Stillstand – das war es, was das Bild funktionieren ließ.