@mariam

كان الضوء في المعرض مختلفًا عما توقعت. ليس ذلك الأبيض الساطع المعتاد، بل دفء خافت ينساب من زوايا السقف، يلقي ظلالًا ناعمة على اللوحات. وقفت أمام عمل صغير في الزاوية البعيدة—لم ألحظه في البداية، مررت به مرتين قبل أن أدرك أنه ربما الأهم في القاعة بأكملها.

كانت ضربات الفرشاة خشنة، غير مصقولة، كأن الفنانة تعمدت ترك أثر يدها واضحًا. سألت المرافقة: "لماذا لم تُنعّم الحواف هنا؟" أجابت بابتسامة: "ربما الحواف الخشنة هي ما تجعلنا نشعر بوجود إنسان خلف العمل." بقيت تلك الجملة معي طوال اليوم.

أدركت أنني أخطأت طوال الوقت عندما كنت أبحث عن "الكمال التقني" في الأعمال الفنية. الكمال أحيانًا يخلق مسافة، يجعل العمل بعيدًا، كأنه صُنع بواسطة آلة. أما هذه اللوحة الصغيرة، بضرباتها غير المتقنة ولونها الترابي الباهت، فكانت حميمية، تدعوني للاقتراب، للمس السطح بأطراف أصابعي.

وقفتُ أمام اللوحة لدقائق طويلة، أحاول أن أفهم لماذا اختار الفنان هذا اللون الأزرق المائل للرمادي في الزاوية اليسرى. كان الضوء في القاعة خافتًا، والصمت ثقيلًا، وكأن الجدران نفسها تنصت لأفكارنا. رائحة الخشب القديم تملأ المكان، تلك الرائحة التي تجعلك تشعر بأن الفن هنا ليس حديث العهد، بل ممتد عبر الزمن.

حاولت في البداية أن أقرأ اللوحة كما علّموني في الكتب، من اليسار إلى اليمين، من الأعلى إلى الأسفل. لكنني أدركت بعد لحظات أن هذا خطأ. اللوحة لا تُقرأ، بل تُعاش. عندما تركت عيني تتجول بحرية، بدأت أرى التوتر بين الألوان الباردة والخطوط الحادة. كان الفنان يحكي عن صراع، لكنه صراع هادئ، مكتوم، مثل غضب محبوس داخل صندوق زجاجي.

سمعت امرأة خلفي تهمس لصديقتها: "لا أفهم الفن المعاصر، يبدو عشوائيًا". ابتسمت. كنت مثلها قبل سنوات. لكن العشوائية غالبًا ما تكون قرارًا مدروسًا. الفوضى في الفن هي دعوة لك لتملأ الفراغات بمشاعرك أنت، لا بمشاعر الفنان.

جلست هذا الصباح أمام لوحة صغيرة في المعرض المحلي، لوحة لم ألحظها في زيارتي الأولى. كان الضوء يتسلل من النافذة الجانبية ويضرب سطحها بزاوية مائلة، فتحولت طبقات الطلاء إلى تضاريس صغيرة من الظلال والنور. لم يكن الموضوع مهماً بقدر ما كانت الطريقة التي تكلمت بها الألوان مع بعضها.

وقفت طويلاً أحاول أن أفهم لماذا استخدم الفنان اللون الأزرق البارد في زاوية اللوحة السفلية، بينما الدفء ينبعث من المركز. ظننت في البداية أنها مجرد موازنة بصرية، لكن عندما تراجعت خطوتين إلى الوراء، أدركت أن الأزرق لم يكن يوازن بل يسحب النظر، يجبرك على العودة إليه مراراً. كان خطأي أنني بحثت عن التناغم، بينما الفنان كان يريد القلق البصري.

سمعت سيدة بجانبي تهمس لصديقتها: "لا أفهم هذا النوع من الفن". لم أتدخل، لكنني تمنيت لو أخبرتها أن عدم الفهم الفوري ليس فشلاً، بل دعوة للبقاء أطول أمام العمل. الفن الجيد لا يسلم نفسه بسهولة.

وقفتُ أمام اللوحة لدقائق طويلة قبل أن ألاحظ التفصيلة الصغيرة في الزاوية اليسرى السفلية. كان الضوء في المعرض خافتاً، يميل إلى الدفء، وكانت رائحة القهوة تتسلل من المقهى المجاور. ظننتُ في البداية أن الفنان استخدم اللون الأزرق الداكن فقط، لكنني كنت مخطئة. عندما اقتربتُ أكثر، اكتشفتُ طبقات رقيقة من الأخضر والبنفسجي تتداخل معاً، تخلق عمقاً لم أره من بعيد. هذا ما يعلمني إياه الفن دائماً: أن النظرة الأولى ليست كافية أبداً.

سألتني امرأة بجانبي: "هل تعتقدين أن الفنان قصد هذا التباين؟" ابتسمتُ وقلتُ لها إنني لا أعرف، لكنني أحب أن أتخيل أن بعض أجمل اللحظات في العمل الفني تحدث بالصدفة، عندما تتمرد الألوان على خطة الفنان وتخلق شيئاً جديداً.

أمضيتُ الساعة التالية أتجول بين القاعات، أحاول أن أفهم العلاقة بين الضوء والظل في كل عمل. لاحظتُ أن الفنانين الشباب يميلون إلى استخدام التباين الحاد، بينما الأعمال الأقدم تحتفي بالانتقالات الناعمة. ربما هذا انعكاس للعصر الذي نعيش فيه، فكرتُ، حيث كل شيء إما أسود أو أبيض، ونادراً ما نجد الوقت للتوقف عند الرمادي.

في الصباح الباكر، دخلتُ القاعة الصغيرة حيث تُعرض لوحات الفنان الشاب. كان الضوء يتسلل من النوافذ العالية، يرسم خطوطاً ذهبية على الجدران البيضاء. لاحظتُ كيف أن الظلال تتغير كلما تحركتُ خطوة، وكأن اللوحات نفسها تتنفس مع حركة الشمس.

وقفتُ أمام لوحة زرقاء كبيرة. في البداية بدت لي بسيطة، مجرد طبقات من اللون الأزرق. لكن عندما اقتربتُ أكثر، اكتشفتُ تفاصيل دقيقة: ضربات فرشاة صغيرة، خطوط رفيعة باللون الأبيض تشبه الأمواج، نقاط من الفضي تلمع كالنجوم. أدركتُ أنني كنتُ مخطئة في حكمي السريع. الفن يحتاج إلى وقت، إلى صبر، إلى أن نسمح له بالكشف عن نفسه.

سمعتُ صوتاً خلفي، امرأة تقول لصديقتها: "هل تعتقدين أن الفنان قصد هذا فعلاً؟" ابتسمتُ. هذا السؤال الأبدي. ربما لا يهم ما قصده، بل ما نشعر به نحن.

اليوم وأنا أتجول في حي قديم، لفتت انتباهي واجهة مبنى متهالك. كانت الشمس تسقط بزاوية مائلة على الجدار المتشقق، فصارت الظلال تبدو وكأنها خطوط مرسومة بعناية. توقفت لدقائق أراقب كيف يتحول الإهمال إلى شيء جميل بفعل الضوء فقط. قال رجل عجوز يمر بجانبي: "كانت هذه البناية أجمل مكان في الحي." ابتسمت له، وأدركت أن الجمال أحياناً يعيش في الذكريات أكثر من الحاضر.

دخلت مقهى صغيراً قريباً، طلبت قهوة وفتحت دفتري. كنت أنوي كتابة مراجعة لمعرض زرته الأسبوع الماضي، لكنني وجدت نفسي أكتب عن ذلك الجدار بدلاً من ذلك. أحياناً الفن لا يكون في الصالات المضاءة بعناية، بل في اللحظات العابرة التي نلتقطها بالصدفة. حاولت أن أصف الظلال، لكن الكلمات بدت باهتة أمام ما رأيته. هنا أدركت خطأي: كنت أحاول أن أشرح الصورة بدلاً من أن أنقل الشعور.

عدت إلى المنزل وأعدت قراءة ما كتبته. حذفت نصف الوصف، وأبقيت على جملة واحدة: "الضوء يحول الخراب إلى قصيدة." شعرت بالرضا أكثر. تعلمت اليوم أن البساطة في النقد الفني ليست ضعفاً، بل قوة. عندما نحاول أن نقول كل شيء، لا نقول شيئاً في النهاية.

اليوم وقفتُ أمام لوحة لم تكتمل بعد، زاوية اللوحة اليسرى ما زالت بيضاء تنتظر. كنت أظن أن الفراغ عيب، لكنني أدركت أن البياض هو جزء من التكوين. الضوء الداخل من النافذة سقط على تلك الزاوية، وكأنها تتنفس مع باقي الألوان. أصوات الشارع من الخارج – بائع متجول ينادي، أجراس دراجة، ضحكة طفل – امتزجت مع صمت المرسم، وصارت جزءاً من اللحظة.

بينما كنت أخلط الألوان، أضفت كمية زائدة من الأزرق إلى الأخضر، فصار اللون بارداً أكثر مما أردت. بدل أن أرميه، أضفت قطرة من الأصفر الدافئ، فظهر درجة جديدة لم أكن أخطط لها. أحياناً الخطأ يفتح باباً لم نكن نعرف أنه موجود. هذا ما يحدث في الفن: لا نتحكم في كل شيء، والصدفة تعلمنا أن نستسلم قليلاً.

في أحد الكتب التي أعود إليها، قرأت: "اللون ليس ما تراه العين، بل ما تتذكره الروح". هذه الجملة ظلت تتردد في ذهني طوال النهار. ربما لهذا السبب نشعر بالحنين عندما نرى لوناً معيناً؛ ليس لأنه جميل، بل لأنه يحمل ذكرى أو إحساساً قديماً. كنت أحاول أن أمسك هذا الإحساس وأضعه على القماش، لكنني لست متأكدة إن نجحت. ربما الفن ليس في النجاح، بل في المحاولة نفسها.