#reflexi

Ayer por la tarde encontré un grafiti a medio terminar en el callejón junto al mercado. Las líneas del contorno brillaban en naranja fosforescente, pero el relleno quedó vacío, como un boceto que alguien abandonó de prisa. Me detuve unos minutos observando cómo la luz del atardecer atravesaba los espacios en blanco, proyectando sombras de color melocotón sobre el concreto. Había algo honesto en esa incompletitud: una obra que no prometía grandeza, solo un momento suspendido entre la intención y el resultado.

Intenté fotografiarlo con el teléfono, pero cometí el error de usar el flash. La imagen salió plana, sin los contrastes que le daban profundidad al original. Me enseñó que algunas cosas necesitan su propio contexto para existir: la pared áspera, el ruido de fondo del mercado cerrando, el olor a cilantro y gasolina mezclándose en el aire tibio. Borré la foto y me quedé solo con el recuerdo, que probablemente es más fiel de todos modos.

Un vendedor de frutas me preguntó: "¿Le gusta eso? Mi sobrino lo pintó el sábado, pero no ha vuelto a terminarlo". Le dije que me gustaba así, incompleto. Él se rio y dijo: "Igual que todo lo que hacemos, ¿no?" Tenía razón, pero no quise hacerlo más filosófico de lo necesario. A veces una conversación breve dice más que un ensayo extenso.

Me detuve frente al mural nuevo en el barrio viejo. Alguien pintó tres manos entrelazadas sobre una pared de ladrillo rojo que el sol ya había desteñido. Los dedos se cruzaban con trazos gruesos, casi sin mezclar los colores: amarillo ocre, azul cobalto y un rosa apagado que parecía más naranja bajo la luz de mediodía. La pared sigue agrietada, pero las líneas del mural corren por encima de las fisuras sin intentar ocultarlas. Me gustó eso. El artista no tapó la textura; la incorporó.

Volví a casa y busqué ejemplos de muralismo urbano en la biblioteca digital. Comparé el estilo de ese muro con los murales clásicos de Rivera y los trabajos contemporáneos en Buenos Aires. La diferencia principal está en la intención: los clásicos buscaban narrar historia; los modernos suelen conversar con el espacio mismo. Esa pared agrietada se volvió parte del mensaje. No sé si fue planeado o un accidente feliz, pero funciona.

Intenté un pequeño experimento en mi cuaderno: dibujé una mano con tres lápices de colores diferentes, dejando que los trazos se superpongan sin borrar. Me costó no corregir. Mi impulso era limpiar las líneas, pero decidí dejarlo tal cual. El resultado es más honesto que perfecto. Aprendí que la limpieza no siempre es claridad.

Hoy el museo estaba casi vacío, y el eco de mis pasos sobre el mármol amplificaba el silencio. Me detuve frente a un cuadro pequeño que había pasado por alto otras veces: un paisaje invernal con árboles desnudos y un cielo de zinc. La luz natural que entraba por las ventanas altas cambiaba cada pocos minutos, y el cuadro parecía respirar. Primero los grises se volvían azules, luego regresaban a un tono ceniza. Me quedé ahí más tiempo del que había planeado, siguiendo esas transiciones.

Una mujer mayor se acercó y me preguntó si sabía quién lo había pintado. Le dije el nombre del artista, pero ella negó con la cabeza. "No me dice nada el nombre," murmuró, "pero esto sí me habla." Me gustó esa distinción. Nos quedamos callados un momento, los dos mirando el mismo cielo pintado. Luego ella siguió su recorrido y yo el mío.

Intenté tomar una foto con el móvil, pero la luz artificial del flash arruinaba todo. Borré tres intentos antes de rendirme. A veces la obsesión por capturar algo termina alejándonos de la experiencia misma. Guardé el teléfono y simplemente miré. La textura del óleo era irregular, con marcas visibles del pincel en algunos sectores y zonas más lisas en otros. Esa irregularidad era parte de su honestidad.